Artista Santo Guichon " Los 1-2-3-4-5- pasos de la deconstrucción y selección de la pieza electroarte" (CONCEPTO) 1996 Universa-listo

(CONCEPTO)

" Los 1-2-3-4-5- pasos de la deconstrucción y selección de la pieza electroarte" 

La imagen captura al artista Santo Guichon deconstruyendo la placa base de una computadora con sus manos, una poderosa metáfora de la fusión entre destrucción y creación. Esta acción simboliza el rechazo a la identidad rígida y masiva de la tecnología, transformándola en materia prima para el "electroarte", una forma de arte que fusiona lo mecánico con lo artístico. Al romper físicamente la placa base, Guichon desafía los aspectos deshumanizantes de la modernidad y la tecnología, redefiniéndolas como entidades maleables y dinámicas. El elemento visceral y humano del acto contrasta con la fría precisión de la tecnología, enfatizando la reivindicación de la autonomía sobre los sistemas tecnológicos. Esta deconstrucción conceptual libera el material de su contexto original, permitiéndole renacer en algo nuevo e imaginativo dentro del ámbito del arte.

El acto de deconstruir una placa base en el arte contemporáneo simboliza una relación crítica y colaborativa entre la creatividad humana y la tecnología. Refleja la evolución artística desde formas rígidas hasta expresiones fluidas e innovadoras, reflejando tendencias como la posmodernidad y la sostenibilidad. Esta acción representa un desprendimiento de lo antiguo para dar paso a la nueva creación, en sintonía con la evolución más amplia del arte a través de la experimentación con materias primas y la relación entre el ser humano y la tecnología.

Esta fotografía captura un poderoso momento de deconstrucción artística, donde las manos del artista desmantelan la placa base de una computadora. Simboliza una crítica a la naturaleza rígida e impersonal de la tecnología, a la vez que la acepta como medio de creación. El acto de romper la placa base representa un doble rechazo y aceptación de la tecnología, transformándola en un lienzo flexible para el "electroarte". Esto se alinea con las tendencias del arte contemporáneo que cuestionan y reutilizan la tecnología, invitando al espectador a reconsiderar nuestra relación con ella como parte integral y moldeable de nuestro paisaje creativo.

Esta acción del artista refleja una compleja relación entre el ser humano y la tecnología, desafiando la naturaleza rígida e impersonal de la tecnología a la vez que celebra su potencial como medio creativo. Al deconstruir físicamente una placa base, el artista reivindica la autonomía humana sobre la tecnología, sugiriendo que podemos remodelarla para alinearla con nuestros objetivos artísticos e intelectuales. La transformación de estos componentes en "electroarte" encarna la idea de que la tecnología no es estática; puede redefinirse y reutilizarse. Esta pieza refleja tendencias artísticas contemporáneas más amplias donde la tecnología se reutiliza para la expresión y la crítica, invitando al espectador a verse como participantes activos en la evolución de la tecnología, no solo como consumidores pasivos.

Entre los artistas que deconstruyen objetos para reutilizarlos o recontextualizarlos en nuevos espacios se incluyen.

Gustav Metzger fue pionero del "arte autodestructivo". En su primer manifiesto, fechado en noviembre de 1959, propuso el concepto de arte autodestructivo para referirse a diversas prácticas artísticas que encarnaban expresiones de arte público en las sociedades industriales. El arte autodestructivo de Metzger abarcaba pinturas, esculturas e instalaciones creadas mediante fuerzas naturales, técnicas tradicionales e incluso medios tecnológicos. Estas obras podían tener una vida útil que iba desde un breve instante hasta veinte años. El Simposio sobre Destrucción en el Arte (DIAS) de Metzger, de 1966, tenía como objetivo reunir a artistas, escritores, sociólogos, psicólogos y otros especialistas para debatir el fenómeno de la autodestrucción en el arte y en la sociedad contemporánea en su conjunto. Metzger creía que el acto de destruir un objeto estaba estrechamente vinculado al concepto de creación. Sus ideas alcanzaron su clímax en DIAS, donde propuso que el arte autodestructivo y el arte autocreativo buscan integrar el arte con los avances científicos y tecnológicos. El objetivo inmediato era crear obras de arte con movimientos programados y "autorregulación" con la ayuda de computadoras.

Gordon Matta-Clark, quien se consideraba un "arqueólogo urbano", realizó "cortes de edificios". Sus cortes sacaron a la luz la memoria contenida en los edificios. Robert Smithson quedó cautivado por las ruinas industriales de Nueva Jersey en la década de 1960, que describió como "monumentos de un paisaje postindustrial perturbado por la modernización urbana". Sonia Andrade recopiló restos de objetos del pasado y los transformó en piezas únicas que convirtieron "fragmentos del mundo en pequeños fragmentos de existencia".

Loredana Longo combina la escultura y la performance para explorar los conceptos de destrucción y renovación. Sus obras reflexionan sobre la dicotomía entre destrucción y creación, cuestionando la primacía histórica del objeto en el arte y profundizando en la naturaleza constructiva inherente a todo acto de destrucción. En Latinoamérica, artistas como Juan Sorrentino exploraron los efectos de la destrucción catastrófica a través del sonido y la vibración. En su obra Derrumbe (2016-2019), Sorrentino investigó los efectos producidos por un sonido de 47 hercios emitido por altavoces incrustados en una gran pared. El yeso de la pared se desprendió y se convirtió en escombros debido a la vibración de baja frecuencia. Proyectos posteriores, como En el monte nunca se está solo (2017), continuaron en la misma línea de investigación. Sorrentino trascendió los límites de los espacios expositivos convencionales y realizó una serie de intervenciones en el paisaje mediante instalaciones sonoras en un área de cuatro hectáreas en la cordillera del Chaco, en el noreste de Argentina. Abrió un camino y posteriormente determinó cinco puntos de escucha a lo largo del mismo. Posteriormente, distribuyó instalaciones sonoras y mecánicas a lo largo del camino, documentando el espectro audible de sonidos, desde el ruido blanco hasta tonos más agudos y disonantes.

Estos artistas, a través de sus actos de destrucción, desafían la primacía tradicional del objeto en el arte y exploran la naturaleza constructiva inherente a la destrucción. Reutilizan o recontextualizan objetos en nuevos espacios, transformando vestigios del pasado en nuevas materialidades o creando nuevos significados y formas. Sus prácticas no solo reflexionan sobre la relación entre destrucción y creación, sino que también abordan la intersección del arte, la tecnología, la memoria y la sociedad.

Que otros artistas contemporáneos usan el material sintético y electrónico como el motherboard como elemento creativo.

A continuación, se presentan algunos artistas que utilizan placas base en sus creaciones:

Analia Saban

En su serie "Placa base", Saban cubre placas base de ordenador reales con tinta de impresora y las monta sobre marcos de nogal. También reproduce microchips en roble cortado a láser, amplificándolos para que los espectadores exploren visualmente las intrincadas líneas e interconexiones de estos componentes. Sus obras resaltan la fisicalidad de las placas base y los microchips, instando al espectador a contemplar la belleza de la informática desde una perspectiva tanto abstracta como física. Su placa base n.º 12 (2023) está hecha con tinta sobre placas de circuitos de ordenador y mide 24,5 x 21,5 x 5 cm. A través de obras analógicas y texturales que no emiten ruido, Saban crea un comentario poético sobre la existencia digital, revelando la extraña lógica de los algoritmos y el código, a la vez que nos recuerda la fisicalidad de los servidores, ventiladores y placas base que impulsan la llamada computación en la nube. Elias Sime

En sus reconocidos ensamblajes, el artista etíope Elias Sime explora la conexión China-África con sus "murales de placas base". Sus obras utilizan componentes electrónicos reciclados, como placas base, para crear obras de arte a gran escala. Estas creaciones exploran la interacción entre la tecnología y la cultura en Etiopía, reflexionando sobre el panorama tecnológico del país y su conexión con el mundo. En 2024, sus obras se exhibirán en la Bienal de Venecia.

Nam June Paik

Nam June Paik fue pionero del videoarte y figura clave del movimiento artístico Fluxus. Incorporó componentes electrónicos, como placas base, a sus obras para crear arte experimental. Su obra "TV Magnet" (1965) es uno de los primeros ejemplos de arte glitch. Al colocar un imán cerca de un televisor, distorsionaba las señales de transmisión, produciendo efectos visuales inesperados. Las obras de Paik desafían las nociones tradicionales del arte y exploran la relación entre la tecnología y el arte. Su uso de placas base y otros componentes electrónicos refleja una profunda comprensión de la tecnología y una audaz exploración de su potencial artístico. Peter Kogler

Como uno de los pioneros del arte generado por computadora, Peter Kogler crea obras utilizando algoritmos informáticos y medios digitales. Las placas base, como componentes esenciales de las computadoras, sirven indirectamente como elementos fundamentales en sus creaciones. Sus obras a menudo exhiben efectos visuales únicos y contenido que invita a la reflexión, explorando la intersección de la tecnología digital y el arte.

Aisha R. Brown, Faatma Be One, Holly K. Hurd, Olivia Lucero, Adi Tora, Angélica Jiménez, Toluwanimi Obiwole, A. Koko Sánchez.

Estos artistas participaron en el proyecto de arte público The Motherboard. Aunque no se han revelado todos los detalles de sus obras, el título del proyecto sugiere que probablemente integraron placas base en sus creaciones para expresar ideas relacionadas con la tecnología y el arte.

Sue Havens.

En su exposición "Placa base", Havens creó grandes pinturas en relieve con collage, obras sobre papel, construcciones de papel y esculturas de cerámica. Comenzó recopilando listas de tareas completadas de las reuniones virtuales de la facultad en la primavera de 2020, incorporando otros recuerdos de su vida como artista, madre y profesora. La ansiedad de la pandemia y la presión de solicitar la titularidad se transformaron en bolas de papel enrolladas apretadamente, que gradualmente se incorporaron a sus pinturas. Un amigo comentó que la nueva obra se parecía a una placa base. Las obras de Havens exploran temas como el papel de las placas base en las computadoras y la relación entre la tecnología y la vida humana.

Ali Banisadr.

En su exposición "Placa base", presentada por The Brooklyn Rail en abril de 2014, las obras de Ali Banisadr probablemente presentan las placas base como un elemento significativo. Sin embargo, no se dispone de todos los detalles específicos de la exposición ni de sus obras.

Otros artistas.

Además de los artistas mencionados, otros también utilizan placas base en sus creaciones. Por ejemplo, la artista Malísima exhibe obras que incluyen placas base en Instagram. El colectivo "Placa base", centrado en la tecnología y el arte, ha organizado simposios sobre arte glitch. En enero de 2002, organizó un simposio sobre glitch en Oslo, Noruega, para reunir a artistas internacionales, académicos y profesionales del arte glitch para compartir su trabajo e ideas con el público y entre sí.

Las placas base, como componentes centrales de las computadoras, poseen valor tanto funcional como estético. Los artistas las reutilizan como medios artísticos, dotándolas de nuevos significados y trascendencia estética. Sus obras reflexionan sobre la tecnología y la cultura, exploran la relación entre los seres humanos y la tecnología e inspiran al público a reconsiderar el papel de la tecnología en nuestras vidas. A continuación, se presentan algunos enfoques comunes para el uso de placas base en el arte:

• Exhibición directa: Presentar la placa base en sí misma como una obra de arte, enfatizando su forma física única, sus intrincados patrones y sus texturas metálicas para resaltar su belleza inherente como producto industrial. Por ejemplo, en la serie de arte mural de placas base, disponible en Fine Art America, las placas base se enmarcan y se cuelgan como piezas decorativas.